C’est une petite silhouette d’enfant. On ne voit d’elle qu’une pèlerine, des petits pieds qui dépassent. Et pourtant elle nous montre de suite que le bambin est un petit être malheureux. Il suffit, quelques cases plus loin, à Arnaud Monin, avec son crayon, de baisser la capuche et de nous montrer le regard du petit garçon pour comprendre le désarroi d’un enfant perdu dans un univers nouveau. Tout le talent, qui a fait l’immense succès du précédent diptyque de Zidrou et Morin, réside dans cette légèreté formelle à montrer et à narrer des faits difficiles, sans pathos mais avec une douceur infinie, y compris pour évoquer des drames intimes.

Si le thème de l’adoption reste celui de ce nouvel opus, le point de vue retenu cette fois-ci est totalement différent. La famille de Gabriel était touchante. La famille Guitry, qui va adopter Wajdi, petit enfant yéménite de 10 ans, l’est beaucoup moins. On pourrait la qualifier de bonne famille « bobo », le père adoptif, dentiste, donc toujours « sur les dents » comme il aime le préciser, formule sa bonne action avec les habituels poncifs: « il arrive un moment où tu as envie de renvoyer l’ascenseur à la vie, où tu as envie de te sentir … utile ». La mère adoptive, quant à elle, a une motivation plus individuelle, personnelle, ancienne. Sous le vernis d’une « bonne action » se cachent, consciemment ou inconsciemment, des motivations plus égoïstes: donner certes, mais aussi recevoir et combler des vides.

Les auteurs s’interrogent, avec le lecteur, sur les raisons qui poussent des couples à adopter. Echec personnel, vide existentiel, réparation, charité, autant de motivations qui peuvent animer les Guitry, mais auxquelles il manque l’essentiel: l’amour d’un enfant, pour ce qu’il est. Le dessin, tout en subtilités, montre en creux que seule, la fille des Guitry, Ess, se met à hauteur de Wajdi, pour lui parler, les yeux dans les yeux. A genoux. A hauteur d’enfant. Les adultes, de leur hauteur, veulent l’embrasser, le serrer, plus pour eux-mêmes que pour lui, un geste perçu comme un étouffement que Wajdi ne peut supporter.

Là est l’autre force de cet album: montrer la difficulté d’être adopté pour un enfant de la guerre, à qui l’on parle de son périple migratoire comme d’un exploit physique mais dont le voyage n’est avant tout, pour lui, que des milliers de kilomètres de fuite, de peur, de traumatisme. C’est dans le lit, le soir, transformé en tente, que surgissent les images de violence et de la mère et de la soeur perdues. L’adoption est pour Wajdi le paradis et l’enfer. Son regard, sur lequel de nombreuses cases s’attardent, montre son désarroi mais aussi la violence qui l’anime, lui qui voulait juste un endroit pour se reposer, dormir et oublier et à qui on demande d’être vierge comme un nouveau né.

« Dix ans Tu dis ? Tu aurais pu en prendre un plus petit ».

Le registre est grave, douloureux, complexe et le récit de, Zidrou décrit par petites touches subtiles, les mécanismes d’une adoption vouée a priori à l’échec. « Les meilleures intentions ont parfois les pires conséquences » proclame la quatrième de couverture. Zidrou déclare s’être inspiré de deux histoires réelles ce qui contribue à la force du récit, imprégné de nos quotidiens, comme le sont les amis, la famille, si chargés de préjugés, de principes moraux inadaptés et qui permettent aux auteurs traiter des multiples aspects de l’adoption, entre paternalisme, bonne conscience et odieuse charité.

Avec Gabriel, le bonheur d’adopter était dans le bouleversement d’une fin de vie avec beaucoup de joies à la clé. Avec les Guitry, l’adoption révèle avant tout beaucoup de souffrances cachées avec beaucoup de larmes à la clé. Au moins à la fin de ce premier tome.

Calais ne fut pas toujours un camp illégal de transit pour migrants. La ville fut souvent associée, des décennies durant, à une une oeuvre sculptée majeure, immortalisée par un timbre postal: le bronze « Les Bourgeois de Calais » de Rodin. Six personnages en souffrance, conduit par Eustache de Saint Pierre, se livrent au début de la guerre de Cent Ans, au roi d’Angleterre, pour que soient épargnés leurs concitoyens et leur ville: oeuvre monumentale, mondialement connue, reproduite douze fois dans le monde entier de New-York à Séoul en passant par Londres ou Bâle. On sait que cette sculpture est l’oeuvre de Rodin, homme âgé alors de quarante quatre ans, dont le nom commence de plus en plus à émerger au firmament des arts. Décrié par les partisans de la tradition antique, imprégné de son maitre et prédécesseur le « père Rude », il impose une nouvelle vision de la sculpture, donnant vie et parole à des personnages qui bougent et agissent comme dans la vraie vie. Rodin est connu, bientôt reconnu. Beaucoup moins est le commanditaire de l’oeuvre à l’approche du centenaire de la Révolution Française, le maire Omer Dewavrin, notaire, notable établi, qui va, sous le charme du futur amant de Camille Claudel, devenir un partisan d’une statue hors norme tant en la forme, horizontale, que sur le fond, six personnages en souffrance et non six personnages héroïques.

Michel Bernard nous avait séduit avec son ouvrage « Deux remords de Claude Monet » dans lequel l’écrivain en s’éloignant d’une biographie traditionnelle réussissait à nous faire pénétrer l’univers intime du peintre impressionniste obnubilé par son chevalet et ses tubes de peinture. S’appuyant cette fois-ci sur la correspondance entre l’élu et l’artiste, l’écrivain nous raconte la naissance puis l’épanouissement d’une belle amitié qui n’est pas sans rappeler celle entre Clemenceau et le peintre de Giverny. C’est le maire qui tient ici le rôle essentiel, un homme bon, modeste, qui ne sait lui même, formé à la culture classique, ce qui le séduit dans une oeuvre contraire a priori à ses gouts premiers et qui comprend à demi-mots le génie de cette silhouette lourde, massive, à la barbe fleurie si proche de l’allure générale de Claude Monet. Subjugué en regardant les visages de ces hommes effarouchés devant la mort, il comprend comme Monet que:
« (…) ce regard qui dépassait l’existence humaine et sondait le passé et l’avenir, l’infini, n’était que l’empreinte des pouces de Rodin dans de la craie mouillée ».
Le notaire est, avec l’immense sculpture, le sujet véritable du livre. Il donne plus qu’il ne reçoit de Rodin mais cette oeuvre en création, il la sent presque comme sienne.
Il faudra dix ans pour que la statue soit enfin inaugurée en 1895. Les tergiversations répétées et fréquentes de Rodin ne sont pas étrangères à ces retards successifs, mais l’opposition des élus, l’ambiance conformiste dominante, les luttes politiques, une crise financière et une épidémie de choléra témoignent de la difficulté de concrétiser une oeuvre artistique en avance sur son temps. Ces tergiversations, hésitations nous rappellent les cris effarouchés devant l’installation des colonnes de Buren, devant la pyramide du Louvre de Pey. Comme le déclare Rodin,
« Rien de grand ne s'était jamais élevé sans créer la surprise ».
L’écrivain, qui ne saurait oublier Monet, comme une figure parallèle indispensable, par la grâce de ses mots, de son style brillant et lisse comme le bronze mille fois polis des corps de Rodin, rend ainsi grâce à la difficulté de créer mais aussi hommage aux femmes et hommes indispensables passeurs des génies. Heureusement Omer Dewavrin vit toujours. Son buste a été sculpté par Rodin.

« Le flâneur agité », « Un géomètre du vif », « L’oeil du siècle » autant d’expressions pour tenter de définir l’indéfinissable, mettre en mots une oeuvre unique et mondialement connue: celle de Henri Cartier Bresson (1908 - 2004). La catalogue de l’exposition consacrée à l’admirateur des surréalistes a choisi un angle particulier pour tenter d’apporter un regard nouveau sur des décennies de quête du fameux instant décisif. « Revoir Paris", un verbe pour dire combien la capitale ne fut pour le photographe, qu’une « géographie mais pas une destination », une vie « entre les voyages, c’est là où commence et où se termine l'oeuvre, là où elle n’est jamais en pause » comme l’écrit Anne de Mondenard, directrice de l’exposition. Surtout après la création de l’agence Magnum en 1947, sous l’injonction amicale de Capa notamment, Cartier-Bresson a sillonné le monde de l’URSS en passant par l’Inde ou la Chine. Mais après avoir déposé ses valises, l’élève du peintre André Lhote, reprend vite le chemin des rues parisiennes, pacifiques ou agitées par la guerre, une révolte d’étudiants. Il flâne, Leica en main sur les berges de la Seine, de l’Ile Saint Louis à Juvisy. Ce sont les photographies prises dans ces interstices que l’exposition et son catalogue, nous invitent à découvrir ou à redécouvrir. Dans cette présentation chronologique, de 1929 au portait d’Isabelle Huppert en 1994, des icônes sont présentes, incontournables comme des images de notre mémoire collective. La guinguette de Joinville le Pont, le portrait de Sartre, le brouillard de l’Ile de la Cité sont présents bien entendu. Mais d’autres photos, moins connues, ou même ignorées jusque là témoignent de la double sensibilité du photographe, qui rend si difficile une définition simple de son oeuvre.

Eclate à travers ses photos récurrentes en plongée d’escaliers, de descentes, de routes à peine animées par un ou deux personnages, son fameux sens de la géométrie, son obsession de mettre dans son viseur, un ordonnancement parfait du monde. La photographie des joueurs de boules au Jardin des Tuileries en 1975, entre lignes verticales et horizontales dessinées par la lumière, les silhouettes, les arbres et les grilles composent un tableau inoubliable de rigueur et de beauté.

Comme un contre pied, Cartier Bresson se classe aussi souvent dans cette catégorie si française des photographes humanistes, celle de Doisneau (présent avec un magnifique portrait complice), de Ronis ou de Izis. Dans le chapitre « Changement de cap » qui a pour sous titre « photographier, c’est mettre sur la même ligne de mire, la tête, l’oeil et le coeur », les photographies montrent comment Cartier Bresson a pressenti un urbanisme nouveau qui allait modifier profondément le rapport des hommes. « Terain a Vende » annonce tristement une pancarte devant une barre d’HLM, plantée derrière des derniers sillons tracés par un tracteur incongru. Clochards, petits métiers, amoureux des bancs publics, de nombreux documents montrent que le Leica n’a pas uniquement saisi des angles et des courbes, des ombres et des lumières. Avec son regard ambivalent, le « danseur », capable d’immortaliser Colette ou Camus avec des photographies entrées dans les livres d’histoire, peut aussi montrer la beauté d’un jeune vitrier ou d’une marchande des Halles.

Après avoir parcouru ce catalogue, on retient finalement l’expression écrite à la fin de l’ouvrage de « flâneur entre deux rives », un entre-deux permanent entre « le reportage et l’image isolée, Paris et le reste du monde, la photographie et le dessin, l’engagement mais sans parti, la commande et son propre rythme ». A défaut d’embrasser l’oeuvre cette exposition éclaire avantageusement une rive. C’est déjà énorme.

Haletant comme un grand roman policier !
Tragique comme une pièce de théâtre antique !
D'actualité comme un essai sociétal !

MAGNIFIQUE COMME UN GRAND PREMIER ROMAN !

Eric

Catel et Bocquet. Bocquet et Catel. Ce n’est pas faire injure à Alice Guy, la sujette de leur dernière BD d’écrire que les deux auteurs sont plus connus que celle qui fait le titre de l’album. En effet après avoir décrit la vie de Olympe de Gouges, Kiki de Montparnasse et Joséphine Baker, ils ont choisi de raconter l’existence d’une autre femme moins renommée mais à la vie aussi riche: Alice Guy. Ils disent des femmes, sujettes de leurs livres, qu’elles sont les « clandestines de l’histoire » parce que ce sont « des femmes qui ont laissé des traces dans l’humanité, mais qui n‘ont pas été retenues - ou partiellement retenues - par la grande histoire ». Kiki raconte l’art moderne, Olympe la révolution française, Joséphine la lutte contre la ségrégation et Alice accompagne les débuts du cinéma.

On suit Alice de la naissance à sa mort dans une existence où elle manifeste un bonheur de vivre incomparable, loin de toutes les conventions qui régissent notamment les relations hommes femmes. Elle est une femme libre dans un univers naissant, celui du cinéma composé exclusivement d’hommes. Nous assistons avec elle à la naissance du phonoscope, du bioscope, du kinetoscope. Du cinématographe. Elle rencontre Gaumont, Pathé, les frères Lumière dans ce qui est d’abord un phénomène scientifique, puis technique, artistique et très rapidement industriel et économique. Tous ces domaines Alice Guy, qui a débuté comme « employée aux écritures », apprend à les utiliser et devient experte aux avis recherchés, elle qui est si heureuse sur un plateau de tournage:

« Je pense que les Lumière avec l’arroseur arrosé sont les premiers metteurs en scène. Je ne revendique que le titre de première femme metteur en scène »

Ce n'est qu'en 1920 qu’une nouvelle réalisatrice apparaitra. Entre temps, Alice se rendra aux Etats Unis, se fera un nom, vendra ses studios avant de revenir à Nice pour devenir, sans réussite, une antiquaire. Connue et reconnue de son vivant, en Amérique notamment, elle passera peu à peu dans l’ombre d’une histoire écrite par les hommes. Elle aura connu de nombreuses blessures intimes, des infidélités, le divorce, des faillites mais cherchera pourtant avant sa mort à ce que son oeuvre subsiste, notamment à travers la rédaction de ses mémoires. Autrice de plus de 700 films, il faudra attendre des décennies avant que des chercheurs et historiens en retrouvent une petite vingtaine et inscrivent son nom dans la chronologie de l’histoire du cinéma.

Ce volumineux album est de la qualité des précédents. Alice est un personnage attachant, vibrant, énergique, mouvant dans un univers d’hommes guindés dans leurs redingotes. Le dessin de Catel exprime à merveille la joie de vivre et l’énergie de la productrice, auteure, metteuse en scène. On retrouve la capacité à montrer une époque avec un minimum de moyens. Il est fascinant de constater la restitution par le dessin de l’atmosphère d’une rue, d’un plateau de cinéma, cachant derrière une apparente facilité, un travail de recherches et de documentation très important Le trait noir épais et enveloppant s’apparente aux xylographies de Valotton ou de Toulouse Lautrec. Riche en détails, le lecteur s’amusera à dénicher les noms de Catel Muller et Bocquet, disséminés au milieu d’une scène de rue, comme pour faire rentrer les auteurs dans la vie sociale qu’ils dépeignent.

L’ouvrage se termine par de très riches notices biographiques qui permettent de faire de cette Bd, une référence didactique sur les origines du cinéma.